Friday, October 11, 2013

Pi - Darren Aronofsky U.S.A. 1998





PI
Director Darren Aronofsky
Estados Unidos 1998

PI no es simplemente una película, es la dramatización de unas evidencias, de unas creencias y de algo tan real que, dejando aparte las neuras del personaje protagonista, el resto podría resultar un documental o un interesante estudio de las propiedades que arrojan los números.

El nombre de la cinta: “Phi” se corresponde con el Phi de la constante matemática.
Darren Aronofsky debutó como director con esta cinta que algunas fuentes en su momento calificaron como experimental y otras como surrealista. De experimental quizás solo tenga la parte técnica, de surrealista tiene muy poco. Quizás cierto parecido de una escena en la que el protagonista a punto de volverse loco tiene una visión en la que, con una taladradora, pretende hacerse una trepanación y la escena de Un perro andaluz de Dalí y Buñuel en la que el ojo de la protagonista pretende cortarse con una cuchilla.
La trama es muy interesante ya que revela teorías, algunas de ellas ocultas y que oficial o aparentemente son secretas pero que se sabe que existen en la realidad. Da la sensación de que lo que Aronofsky revela es “casual” o debido a un guión. Pero la realidad confirma no solo la realidad que muestra en la película sino que puede existir mucho más. En la misma el protagonista explica la relación existente entre los números de Fibonacci y la Sección Áurea.

Max, un joven que vive prácticamente aislado pero rodeado de artefactos tecnológicos avanzados y alguna que otra hormiga, realiza predicciones de cotizaciones de bolsa en Wall St. Un día el ordenador se colapsa y arroja una cifra en principio sin sentido pero sólo en principio ya que al dividir los 216 números mostrados en la pantalla entre 10, resultó una predicción totalmente exacta. Max tiene la teoría de que todo en la naturaleza puede entenderse en términos de números, para ello su objetivo es encontrar un número clave que le abriría el conocimiento del patrón universal encontrado en la naturaleza. Está particularmente atraído por la forma de las espirales, y progresivamente se le van abriendo unos conocimientos ante los cuales su antiguo profesor le pide prudencia y que abandone por haber pasado previamente él por la misma situación. Le advierte que hay lineas que no deben traspasarse.
Por si fuera poca la paranoia que el protagonista tiene de por sí. “Casualmente” un día conoce a un judío hasídico que “casualmente” también realiza cálculos matemáticos pero vinculando los valores numéricos del alfabeto hebreo con la composición de la Torah tratando de descifrar un supuesto código místico sugerido por el mismo Dios existente en su redacción y ordenamiento, casualmente descubren que las secuencias de Fibonacci encajan parcialmente en la teoría y con la ayuda de un poderoso segundo chip consigue un segundo colapso del ordenador tras obtener un número tras el que la gente de Wall St. Supone se esconde el poder y la clave definitiva para manipular los mercados financieros y los judíos hasídicos suponen como la clave para instaurar la nueva era mesiánica ya que ese número representaría el nombre impronunciable de Dios según la Torah. El protagonista acude a casa de su maestro a contarle el descubrimiento, el cual ha muerto y entre sus cosas encuentra un papel en el que figura el mismo número, que Max ha conseguido. En ese momento sufre otra terrible crisis de dolores de cabeza y entiende que sus dolores están relacionados con las investigaciones por lo cual sigue el consejo de su maestro: destruye el número, pero el número no lo destruye a él, ya que, en paz y en un parque se le acerca su pequeña vecina con una calculadora para que le resuelva el resultado de 748 dividido por 238, cuyo resultado es una aproximación a PI, la película acaba con un plano de las ramas de un árbol cuyo número puede calcularse con la secuencia Fibonacci.




Esta pelicula es un ejercicio de inteligencia del que cada espectador debe sacar su propia conclusión, no obstante independiente de cual sea esa opinión, no cabe duda que estamos ante un juego de enigmas y ante un documento muy interesante disfrazado de espectáculo.


Sunday, October 6, 2013

Todas las mañanas del mundo - Tous les matins du monde




La esencia de la tristeza convertida en música exquisita


Director Alain Corneau
País: Francia
Actores: Gèrard Depardieu, Jean-Pierre Marielle. Anne Brochet, Caroline Sihol, Guillaume Depardieu
Guión de Pascal Quignard
Banda Original del film interpretada por Jordi Savall, Monserrat Figueras
Ganadora de 7 premios César en Francia 1992 entre ellos:
Mejor película, Mejor Director. Mejor música escrita para película, Mejor fotografía, mejor vestuarío etc.
Seleccion oficial Oso de Oro de Berlín 1992
Nominada al Globo de Oro como mejor película extranjera


La trama de la película describe la soledad creativa del Señor de Santa Colombe, quien hace de la música su refugio y objeto de vida al morir su amada esposa. Soledad que comparte con sus dos hijas. La relación entre los tres se ciñe casi exclusivamente a la interpretación y búsqueda de la perfección a través de interpretaciones musicales ejecutadas con Viola da gamba. La vida de los personajes se ve alterada con la llegada de Marin Marais, un apasionado muchacho en búsqueda de instrucción, que posteriormente llegaría a maestro de música y gran compositor en la corte de Luis XIV.


Un factor importante de la película es el rechazo del Maestro Sainte Colombe a la fama y supuestas ventajas de la vida en la Corte que le ofrecen (casi le imponen) para llevar una vida de aislamiento investigación y estudio, pero la faceta predominante es el amor, la ausencia no superada, la tristeza y la melancolía que tienen su máxima expresión en las interpretaciones, resumidas en su frase.


“La música llega donde la palabra no es capaz”

todo ello reflejado en la siguiente selección de piezas que forma la banda sonora del filme magistralmente interpretada por Jordi Savall Monserrat Figueras y un escogido y virtuoso Ensemble

  • Marche pour la cérémonie des turcs (Lully)
  • Improvisation sur les folies d'Espagne (Marais)
  • Prélude pour Mr. Vauquelin (Savall)
  • Gavotte du tendre (Sainte Colombe)
  • Une Jeune fillette (arr. Savall)
  • Les Pleurs (Sainte Colombe)
  • Concert à deux violes "le Retour" (Sainte Colombe)
  • La Rêveuse (Marais)
  • Trosième leçon de ténèbres à 2 voix (Couperin)
  • L'Arabesque (Marais)
  • Fantasie en mi mineur (anónimo del siglo XVII)
  • Les Pleurs [Versión a dos violas] - (Sainte Colombe)
  • Le Badinage (Marais)
  • Tombeau pour Mr de Sainte Colombe (Marais)
  • Muzettes I - II (Marais)
  • Sonnerie de Ste Geneviève du Mont de Paris (Marais)

Monday, September 30, 2013

El Universo de Mélies



Esplendor, caida y redescubrimiento.
Mélies, más conocido por un fotograma que por toda una vida dedicada al espectáculo. El fotograma es el famoso cohete que deja tuerta a la Luna y se ha convertido en un icono de culto del cine de su época.
Mélies podría ser un ejemplo de trabajo y dedicación en lucha contra una fortuna adversa. Nacido en París en 1861 en el seno de una familia adinerada descubre durante un viaje a Londres el mundo de los magos y de la prestidigitación, tal es su entusiasmo que al heredar la cuantiosa fortuna familiar, se embarca en el mundo del espectáculo. Tas alquilar su teatro al mago Robert-Houdin, pone en escena pequeñas obras con complejos trucajes, lo que llamaríamos hoy “efectos especiales.”
Pero su aventura no se detiene ahí y pone los ojos en las llamadas “Linternas Mágicas” y a continuación en el rudimentario cinematógrafo de los hermanos Lumière que, por cierto, se niegan a venderle. Ante esto, él mismo encarga una cámara a un óptico inglés lo que le permite a su vuelta a París rodar varias cintas como Le Manoir du Diable, o Escamotage d´une dame chez Robert-Houdin, el público fascinado por el espectáculo, pedía más.
A fin de dar satisfacción al público, construye sin reparar en gastos un estudio de cine acristalado en la misma finca familiar; en él se produce su obra más popular Voyage dans la Lune, cuyo éxito fue tal que las copias ilegales (hoy piratas) alcanzaron tales proporciones que le obligó a abrir una sucursal o distribuidora en Nueva York.
En 1908, la productora de Mélies alcanza su máxima producción, llegando a las 50 películas y a partir de aquí comienza su declive. La competencia tanto europea como americana eclipsan su obra a pesar de su segundo gran éxito À la conquête du Pôle. Logra resistir hasta 1917, año en el que decide dejar el cine y volver al teatro sin ningún éxito, esto le obligó a vender la propiedad familiar y arruinado, desesperado y olvidado por el público, decide destruir todas las cintas.
Tras su fallida aventura teatral y cinematográfica y de su ruina económica, encuentra un modesto empleo como vendedor de juguetes en la estación Montparnasse de París donde un periodista le reconoció en 1926. Este encuentro casual deriva en un re- descubrimiento de su obra. Sólo 10 de sus obras pudieron recuperarse para la gala celebrada en 1929 en la Sala Pleyel.


Es una completa ironía que la obra de Mèlies sea mas valorada en el siglo XXI que en el XIX.Ahora, en la era de las 3D, de la tecnología y de los efectos por ordenador, una era en la que cualquier imagen que se nos ocurra puede sin problemas llevarse a la pantalla, es donde su obra alcanza plena valoración y reconocimiento.

La Exposición que hasta el 8 de Diciembre 2013 puede visitarse en el Caixaforum de Madrid, nos muestra en su esplendor el universo mágico de Mèlies, desde linternas mágicas, pasando por deliciosos dibujos, bocetos de sus obras, que en sí ya justifican la visita a la exposición, hasta el precursor, (que bien podría ser el abuelo) de Alien. empleado en el Viaje a la Luna, armarios de trucos, trajes y la continua proyección de su obra en diferentes pantallas. Se pueden ver desde la Coronación de Eduardo VIII en una obra precursora de lo que ahora se llama “documental”, un delicioso Gulliver en el país de Liliput, un viaje al fondo del mar que en su inocencia descubre su encanto y el famoso Viaje a la Luna donde no hay que perderse la famosa escena del cohete pero tampoco el ingenuo paso de la estrella fugaz o a la dama que “milagrosamente” se convierte en confetti del Escamotage d´une dame, entre otras muchas maravillas.

Tuesday, September 24, 2013

Persépolis



Persépolis (2007)


Dirigida por Vincent Paronnaud
Marjane Satrapi
Con las voces de
Chiara Mastroianni
Catherine Deneuve
Danielle Darrieux
Simon Abkarian


Premios y Nominaciones
2008 Nominada a los Oscar como mejor film animado del año
2009 Asociacion de la Crítica de Argentina, Condor de Plata
2009 Nominadas a los premios Bafta
2007 Premio del Jurado del Festival de Cannes
2008 Ganadora del César, Francia al mejor guión adaptado


Comentario:
Entre tanto premio y nominación uno teme pecar de discordante. Comencemos por el Título: “Persépolis”, se antoja bastante pretencioso titular un cómic con el nombre de la capital de un antiguo Imperio. Magno nombre para tan poca obra. planteada como un cómic, de cómica no tiene nada, ni posiblemente se pretenda eso sino todo lo contrario. Rodada en Negro y Blanco, por este orden, ya que predomina ese color y esa atmósfera a lo largo de todo el filme. Se recoge la autobiografía de la autora desde niña hasta su edad madura. El film, que arranca con el padecimiento de la población durante la guerra de Irak relata la historia y cambios en paralelo de la niña y del país hasta nuestros días pero con evoluciones muy dispares, la niña muestra un inconformismo contra todo y contra todos, no está satisfecha en su país, tiene la opción de ir a Viena y vivir sin ningún tipo de ataduras y así lo hace pero decide regresar a su país. Se casa pero se divorcia y su vida es un continuo devenir que sugiere un paso adelante y dos atrás. Evidentemente todo admite varias lecturas. Es un filme, repito negro y blanco, no admite grises. Puede gustar o no, pero a nadie dejará indiferente.




Monday, September 23, 2013

El Cielo Sobre Berlín - Der Himmel über Berlin (Wings of Desire) Wim Wenders



El Cielo Sobre Berlin
Titulo original Der Himmel über Berlin (Wings of Desire)
Director Wim Wenders
Alemania – 1987
Actores principales: Bruno GanzPeter FalkSolveig DommartinOtto Sander
Coproducción Alemania del Oeste-Francia
puede verse actualmente en You Tube
Premios:
Mejor Director Festival de Cannes 1987
Gran Premio de la Asociación Belga de Criticos.
1988 Premios Cesar nominación a la mejor película extranjera
1988 Círculo de Críticos de Nueva York Premio a la mejor fotografía.


Comentario: El hombre fue creado insatisfecho, los ángeles, también.

Wim Wenders, Dusseldorf (1945) es autor entre otras muchas de Paris Texas y Buenavista Social Club. Nunca deja de sorprendernos. El Cielo Sobre Berlin es una Obra Maestra, con estas dos palabras sobra. No obstante existe la tentación de extenderse algo más. Si a uno le dicen que se imagine un ángel con coleta a lo Karl Lagerfeld y que escucha a Nick Cave; puede imaginarse cualquier cosa, si le dicen que lo que va a ver es el desarrollo de esta introducción al film:

Cuando era niño
quería que el riachuelo fuera un río,
el río un torrente y el charco un mar.
Cuando el niño era niño,
no sabía que era un niño.
Todo le parecía lleno de vida,
y todas las almas una sola.
Cuando el niño era niño,
no tenía opiniones sobre nada,
no tenía costumbres.
Se sentaba en el suelo con las piernas cruzadas,
echaba a correr,
tenía un remolino en el pelo,
y no quedaba mal en las fotos.

Podría imaginarse otro tanto pero el resultado es algo inimaginable, totalmente sorprendente.
La trama básicamente consiste en la presencia y tareas de unos ángeles en la ciudad de Berlín. Solo pueden ser vistos por los niños pero sentidos por cualquiera. Esto es explicito en la primera escena, ya espectacular en la que el ángel protagonista contempla la ciudad desde la cima de la Gedächtniskirche o Iglesia del Recuerdo (uno de los íconos de Berlín) y los niños desde abajo le ven y sonríen. Estos ángeles pueden acercarse a los humanos, susurrarles, intentar ayudarles y consolarles, pero no impedir sus acciones. Por ejemplo un suicidio. El ángel protagonista, cansado de ser ángel, quiere experimentar la vida humana y le es concedido, se enamora de una trapecista interpretada por Solveig Dommartin (que nos enamora a todos) y a partir de entonces el color del filme que ha venido siendo blanco y negro (salvo flashes) se convierte en una vida llena de color.
Los pensamientos y preocupaciones que estos ángeles captan de los humanos son tan reales como la vida misma, las reflexiones son profundas y con sentido, las conversaciones a veces son auténticos poemas.
Especialmente el encuentro con Peter Falk en un puesto de hamburguesas, es sobresaliente, intenso y en el mismo se descubre otra faceta importante de esta historia.

La fotografía, los planos y tomas casi en su totalidad son merecedores de colgar en galerías de arte. La última función del humilde circo es magistral de principio a fin, así como especialmente bonita es la de la mujer del hiyab que, sentada y rodeada de maletas en una lavandería, tiene a su lado a un ángel cuya expresión denota que la mujer no tiene consuelo, la escena cambia de color cuando el ángel desaparece mostrando todas las maquinas lavando a pleno rendimiento pero sin gente que las utilice. Las tomas de la ciudad de Berlin, reflejan la personalidad de esta ciudad, tan desastre y tan magnética. Por la concepción general de la obra y su estilo, podría figurar en la corriente Bauhaus.
Esta es una película para saborear, profunda, sus diálogos son tan inteligentes y poéticos, que, casi es preferible verla en subtitulos para captarlos con mas intensidad.

Cuando el niño era niño,
le bastaba con las manzanas y el pan para alimentarse,
y sigue siendo así.
Cuando el niño era niño,
las bayas le caían en la mano sólo como bayas.
Y sigue siendo así.
Las nueces le dejaban la lengua áspera.
Y sigue siendo así.
En cada montaña, anhelaba una montaña mas alta,
y en cada ciudad
anhelaba una ciudad aún mas grande.
Y sigue siendo así.
En lo mas alto del árbol cogía cerezas, entusiasmado.
Y hoy sigue haciéndolo.
Era vergonzoso con los desconocidos.
Y todavía lo es.
Esperaba siempre las primeras nieves.
Y lo sigue haciendo siempre.
Cuando el niño era niño,
lanzó un palo cual lanza contra un árbol,
y aún hoy sigue allí vibrando.


La película acaba en Continuará... Existe una segunda parte rodada por el mismo director en 1993.¡Tan Lejos Tan Cerca! Pero esa es otra historia.

Saturday, September 21, 2013

La Vida y Nada Mas... de Abbas Kiarostami


La vida y nada mas...
Título en Inglés: Life and nothing more... o “Life goes on...”

Zendegi va digar hich(1992)

País: Irán

Guión y Director: Abbas Kiarostami

Actores: Farhad Kheradmand, Buba Bayour,Hocine Rifahi

95 min.

La película “La vida y nada más” es la segunda de la Trilogía denominada ‘Rostam-abad’ o ‘Koker’ denominadas así por la zona en la que están rodadas. La trilogía está formada por la anterior Donde está la casa de mi amigo /Khane-ye doust kodjast?/ Where is the Friend’s House? (1987) y por la posterior A través de los olivos / Zire darakhatan zeyton/Through the Olive Trees (1994).
Estamos ante una road movie, rodada con cierto tono de documental, esta película nada tiene que ver con el filme del mismo nombre de Bertrand Tavernier.

El argumento, como ocurre en general con el cine iraní, tiene varias lecturas. El título de la película “La vida y nada más”, se queda corto, en realidad es “La vida y mucho más”...

La trama:
El actor Farhad Kheradmand interpretando al director de la primera película de la trilogía (Donde está la casa de mi amigo), intenta llegar a Koker, la zona donde viven los actores que actuaron a sus órdenes para interesarse por su vida tras un aparatoso terremoto, lleva incluso carteles con fotos para localizarles. Le acompañan, su hijo (Puya) y un destartalado coche. Estos y una carretera llena de obstáculos son los protagonistas principales.
La carretera representa la vida, el coche, posiblemente, el vehículo o el cuerpo con el que todos recorremos esa carretera o vida. El hombre sabe donde quiere llegar pero la carretera se lo impide continuamente, no sabe lo que les espera tras cada recodo y tampoco sabe si el camino que lleva es el correcto, por ello, no para de preguntar al igual que la mayoría de los humanos cuando nos creemos perdidos si vamos por donde debemos. La carretera (la vida) es tortuosa pero no solitaria, está flanqueada por gentes entrañables y solidarias que lo han perdido todo salvo la esperanza, que luchan por salir de la adversidad, por reconstruir sus hogares, por seguir viviendo, por sonreír y mirar la vida de frente sin dejarse intimidar por la desgracia. Estas situaciones vienen plasmadas en planos largos y silenciosos desde dentro y hacia fuera del coche lo que nos sirve para evaluar el desolado paisaje y las consecuencias del terremoto, humanas y materiales; en otros planos no menos largos del protagonista se reflejan en su rostro y expresión la gravedad de todo lo que contempla. Estas imágenes hablan sin necesidad del guión.

El protagonista, recorre esa carretera de la vida, en silencio pero con ganas, con determinación en cumplir la parte que le ha tocado en la tragedia: ayudar y saber de los que con él han trabajado, yendo continuamente de acá para allá en su viejo coche que no siempre responde al reto.
Puya, su hijo simboliza el futuro, la continuidad del padre en el tiempo y que, como niño es preguntón y revoltoso, el pretender encontrar un refresco frío en un puesto entre las ruinas del terremoto denota, inocencia y no percatarse de la gravedad de lo que le rodea quizás por verse amparado y seguro por la figura de su padre, el mayor empeño del chaval es poder ver un partido de fútbol que se retransmite ese día por TV. Que él y muchos otros priorizan sobre el sufrimiento. Como ser espiritual es un pequeño ángel capaz de dar explicaciones, consolar y dar cariño cuando se le presenta la oportunidad.
Los razonamientos del niño son muy tiernos y con mucho fondo especialmente los relativos a la caza de un saltamontes para criarlo y prepararlo para la emigración (que es lo que muchos hemos tenido que hacer con nuestros hijos) porque: “el saltamontes debe emigrar a otro sitio cuando se haya acabado la hierba en el que vive” y el dialogo que mantiene con la lavandera que ha perdido a su hija mayor (buena estudiante), al apuntar a la madre que: “así la niña se libra de hacer sus deberes” o le cuenta la historia de Abraham y el sacrificio de Isaac.

A lo largo de esa carretera o vida se encuentran muchas situaciones: la joven madre en un tupido bosque de troncos y ramas retorcidas son símbolo de la enrevesada situación en la que se encuentra la misma, no necesita mas explicación. Pero la parte en la que posiblemente mas se resume y transmite la filosofía de la película es en el encuentro entre el protagonista y un joven recién casado que busca sus calcetines blancos y se limpia los zapatos entre las ruinas, que no aplazó su boda a pesar de la muerte de 65 de sus familiares y de la anciana que ha quedado sola y que es consciente de su soledad y de sus propios medios para sobrevivir. Juventud y vejez responden al unisono ante la adversidad. Gentes que luchan por poner de nuevo orden en sus vidas, solo con sus manos y que han perdido todo.

Tal que así viene siendo la historia de la humanidad desde siempre, caer y levantarse. No existe otra opción. Toda la obra del hombre resulta destruida pero la naturaleza sigue siempre ahí invitándonos a seguir y la vida, al igual que el plano final de la película, continúa... Siempre con un paso mas allá.

Monday, September 16, 2013

La Canción de los Gorriones The Song of Sparrows (Avaze gonjeshk-ha) (2008)






Director, Productor y Guionista Majid Majidi
Protagonistas Reza Naji, Maryam Akbari, Kamran Dehghan.
Año 2008
País Irán


Premios:
Oso de Plata Berlín mejor actor Reza Naji
Premiada en la 26 edición festival de Fajr a mejor director, edición, música, y maquillaje


Se encuentran en esta película muchas de las herramientas de Majid Majidi comunes a sus otros filmes.
Tenemos como protagonista a una familia, en este caso tradicional, localizada en un medio rural, unos niños y un problema físico de una hija (sordera) que prácticamente es el pretexto o el hilo en el que se enhebran las perlas del collar, en éste caso, los personajes y las situaciones que se muestran en la película.
Cuando el espectador se acomoda en la butaca ante una película de Majidi y conoce en las primeras escenas a los protagonistas, la primera reacción es una intensa curiosidad por lo que pueda ocurrir en esa familia, por lo que el director nos va a contar de ellos, la simplicidad de sus argumentos y la intensa carga humana y poética es por lo que mucho público se encuentra , interesado e identificado con el cine de Majidi, por el simple relato de situaciones cotidianas que pueden ocurrirle a cualquiera y que a pesar de la distancia geográfica y cultural con el país en el que transcurren, de alguna forma nos son familiares y nos llegan al corazón. Es humanidad sin fronteras.


En este caso tenemos a un padre de familia (Karim) un poco excesivo, gritón y dominante con su familia en plan “perro ladrador, poco mordedor” .Trabaja en una granja de avestruces, les cuida y recoge sus huevos, pero un día uno de los avestruces se le escapa, Karim sale en su busca y lo intenta todo incluso llega a localizarlo y para atraerlo llega a disfrazarse él mismo de avestruz pero no consigue recuperarlo y por ello es despedido.
A este despido se suma otro problema familiar, su hija mayor ha perdido el aparato para sordos que normalmente lleva, se le ha caído en un pozo de fango y agua y está a punto de examinarse en sus estudios, por tanto lo necesita.
El tercer factor de la historia es el hijo de Karim, niño inquieto y encantador que en compañía de unos amigos se propone por todos los medios, no solo encontrar el sonotone de la hermana chapoteando en el pozo de agua donde por cierto hay “sapos y culebras” sino limpiarlo y usarlo para criar peces de colores con lo cual planean “hacerse ricos”.
El argumento se agita al recuperar los niños el sonotone en el pozo, pero no funciona y su padre tiene que llevarlo a la ciudad a que técnicamente le indiquen si tiene arreglo, y no lo hay. La opción es comprar uno nuevo pero la situación familiar no lo permite. A la salida casualmente le confunden a él y a su vieja moto por un taxista de dos ruedas, práctica usual en Teherán, así que sin quererlo se convierte en taxista involuntario y ve en ello una nueva forma de ganarse la vida. Aquí comprueba y es víctima protagonista de los contrastes entre una vida rural simple y noble y la de la gran y atropellada ciudad donde el trato humano como en todas ellas no siempre es honrado ni lógico.
Visualmente, la película tiene muchos momentos sobresalientes, uno de ellos es la escena en la que el protagonista se disfraza de avestruz, otra, cuando el grupo de taxistas salen con sus motos a repartir electrodomésticos cuyo volumen les supera, otra es la de los niños vendiendo flores al borde de la carretera, sólo por citar algunas. La poesía de Majidi en el tratamiento de la imagen es una constante en todas sus películas.
Un día, Karim,el protagonista, que desde el inicio del relato exhibe formas de chapucilla (sus antenas de tv, no se las puede uno perder) descubre una obra cuyos materiales de derribo propone retirar y poco a poco  almacenar en su casa, donde va formando un nido de trastos inimaginables, con el objeto de reciclar y darles uso. Un día esa montaña de trastos se derrumba parcialmente sobre Karim, le deja magullado y fuera de juego en cama reposando durante una buena temporada.


El niño inquieto se pone a trabajar y la familia recibe ayudas para salir adelante mientras Karim permanece inmovilizado, esa inmovilización le sirve para observar el devenir de su familia como espectador y no como director y para darse cuenta de que su familia sin él puede sobrevivir, seguir su marcha, y salir adelante, que su papel de padre gritón y autoritario es, por tanto, prescindible.


El niño y sus amigos trabajando de lo que pueden siguen adelante con el proyecto de limpiar el pozo (que su padre le había prohibido previamente), consiguen finalmente limpiarlo, comprar los peces de colores, pero un azar del destino hace que el recipiente donde transportan a los peces se derrame y se desperdiguen por el suelo ante la estupefacción de los niños. Esta es otra de las escenas por no decir la de mayor impacto visual, tan sobresalientes que es la elegida como cartel anunciador oficial del film. A algunos consiguen echarlos al reguero de agua y los niños consiguen conservar sólo uno que finalmente llevan hasta el pozo donde lo sueltan y de alguna forma ven cumplido su pequeño sueño.


A pesar de recaer los premios sobre el padre protagonista. La interpretación del niño aunque en dosis breves es maravillosa, su pequeño papel en el filme es solo pequeño en duración pero grande en propósito, muestra a un niño trabajador, obediente, emprendedor, solidario y con gran determinación por cumplir sus sueños. Posiblemente Majidi haya querido en metáfora mostrar el potencial de la juventud de su país o el sueño de que todos los niños se parecieran un poco a los de esta panda.


Al finál el avestruz perdido (del cual,ya, ni nos acordábamos) aparece y Karim recupera el trabajo.
Del sonotone no hace falta saber nada más.


Como es usual en las peliculas de Majidi, el argumento solo suele ser una excusa para desarrollar las reacciones y respuestas de unos personajes ante unas situaciones dadas, estas respuestas son siempre humanas aleccionadoras y positivas, son trozos y lecciones de vida.



Friday, September 13, 2013

The Edge of Heaven


Al otro lado (2007) 

"Auf der anderen Seite" (título original)
The Edge of Heaven 

Flm turco-germano de 2007
Dirigido y escrito por Fatih Akin
Actores:


Premios: Premio del Escenario 2007 Festival de Cannes
Candidata por Alemania a los Oscars del mismo año, no consiguió ser nominada, no obstante en aquel año figuró en los rankings de la prensa especializada sobre todo americana dentro de los 8 primeros puestos.


La película está articulada en tres partes relacionadas:
- La muerte de Yetter
- La muerte de Lotte
- Al otro lado
 En esas tres partes se enlazan y desenlazan las vidas de 6 personajes: Un jubilado turco virilmente muy activo y su hijo profesor e intelectual. Una prostituta que muere a manos del jubilado con una  hija cuyo paradero desconoce y que en realidad forma parte de una célula revolucionaria. Y una madre interpretada magistralmente por Hanna Schygulla y su hija que conoce casualmente a la revolucionaria y cuyo encuentro le cuesta la vida.
Es una historia de sentimientos íntimos con desenlaces fatales, de soledades, de  voluntad y propuestas de perdón y de redención materializada por el regreso del hijo pródigo hacia el padre al que había abandonado a consecuencia de la muerte violenta de la prostituta y, sobre todo motivada por una escena de su infancia al recordar el episodio del mandato Divino de Sacrificio de Isaac por Abraham, ante el cual el padre un día manifestó a su hijo que antes de sacrificarle quedaría mal con Dios. y por otra parte la aceptación de la madre que ha perdido a su hija de la muchacha cuya relación le causó la muerte.


Esta película es como un tablero de ajedrez que mostrara la partida a medio celebrar al que una mano invisible volara por los aires, y lo recompusieran pero las fichas ya no quedan en el lugar que estaban e incluso alguna se pierde.
El final de la película es abierto.


Tuesday, September 10, 2013

The Willow - El Sauce -


The Willow Tree (El Sauce)


Irán 2005
Director y Productor Majid Majidi
Actores: Parvis Parastui (Youssef), Roya Taymourian (Roya), Afarin Obeisi (la madre), Mohammad Amir Naji (Morteza), Melika Eslafi (Mariam) y Leila Otadi (Pari).

Estamos ante otra gran obra de arte de Majid Majidi. Quien acuda a un cine simplemente por espectáculo se verá defraudado por esta película. Quien vea mas allá de lo que se proyecta en la pantalla saldrá enriquecido.

El Corán 90:4 En verdad hemos creado al hombre para una vida de continuas penalidades y pruebas.

La historia es brillante y parece un cuento sufí llevado a la pantalla grande. El protagonista es un profesor ciego de la Universidad de Teherán centrado en el estudio del Masnavi de Rumi y en descifrar su relación con Shams.  Querido por sus alumnos y familia compuesta por su madre, su esposa una hija pequeña y un tío siempre dispuesto a ayudar. En un reconocimiento médico se descubre la posibilidad de realizar un trasplante de cornea y devolverle la vista, viaja a París y regresa a Teherán con la vista recuperada y ya en el aeropuerto se encuentra con la realidad. Allí conoce a su esposa e hija, a los alumnos y compañeros que le prestan un gran recibimiento al que él no corresponde en absoluto y se produce un intercambio de miradas mudo con su madre. Estas escenas son el preludio de lo que será su nueva vida.
A partir de aquí la labor del Director y del Actor se engrandece pues el protagonista, practicamente con gestos y expresiones nos está contando lo que pasa por su interior sin hablar ¡y le entendemos! Fundamentalmente es decepción y apatía ante su imagen y lo que le rodea. Abandona y destruye sus trabajos, su familia y cae en una espiral de caos que él justifica en que todo eso no merecía su labor de 45 años. ¿Quizás por castigo divino?, sufre un rechazo en el trasplante de cornea y vuelve a quedar ciego. A lo único que no renuncia en ningún momento es a su religión y a su intimidad y dialogo asiduo  con Dios 

Corán 12:86 “Sólo me quejo a Dios de mi pesadumbre y de mi tristeza”

Finalmente en el ocaso de su autodestrucción acaba dirigiéndose a Él y suplicando una segunda oportunidad. El final es abierto.

Corán 2:54 Y Él aceptó vuestro arrepentimiento: pues, en verdad, sólo Él es el Aceptador de Arrepentimiento, el Dispensador de Gracia.


Esta es la segunda de las películas de Majid Majidi que aborda el drama de la ceguera, podría, quizás cuestionarse si no se trata de una segunda parte de El Color del Paraíso. Los dos films tienen en común su trasfondo espiritual, religioso y el ser ambos inmensamente poéticos.

Monday, September 9, 2013

Los niños del cielo



Bacheha-ye aseman traducida al español como Los niños del cielo o Los niños del paraíso

Dirección y Guión Majid Majidi
Irán 1997
Dur. 89 min.

Es una de la películas de nuestra vida. Con un par de zapatillas, un niño y una niña, (hermanos) como protagonistas y 150.000 euros de coste le bastan a Mjid Majidi para hacer una obra maestra. Candidata a un Oscar a la mejor película de habla extranjera (que le fue arrebatado por La vida es bella) Más que leer sobre ella, ¡véanla!

Sunday, September 8, 2013

La Novia Siria




Año 2004
País: Israel, Francia, Alemania
Dirección: Eran Riklis

Intérpretes: Hiam Abbass, Makram Khoury, Clara Khoury 


El director Eran Riklis, nos muestra a través de esta cinta, las dificultades que por encima de la política viven en este caso los habitantes de Israel, Siria y Palestina. No todo en el mundo es blanco o negro. Por tanto, palestinos, israelís y en este caso drusos, no son islas inaccesibles, la gente se ínter-comunica, trabaja, hace negocios, ama y vive mezclada, en algunas zonas conviven en armonía y se casan como en este filme. La política y la burocracia son enemigos de la convivencia, viven de espaldas a ella e incluso levantan muros, sin pensar que el factor humano no está por eso, que, históricamente con el tiempo todos los muros caen.
La novia vive en un poblado druso bajo control israelí en los altos del Golán, el novio, su primo, vive en Siria, si la novia logra traspasar la frontera, se casará pero posiblemente no podrá volver a ver a su familia. La boda ha de celebrarse individualmente en ambos lados con invitados y familiares que se ven a través de unas alambradas, esto se agrava por el papel político del padre de la novia y porqué la novia en su documentación figura como de “nacionalidad indefinida” por habitar territorio Sirio pero ocupado por Israel desde 1967.
El filme es una lucha entre por una parte, los sentimientos y la razón de los seres humanos, y por otro: la sinrazón, la burocracia el obcecamiento, el resentimiento.
Es de agradecer que muchos intelectuales estén desarrollando una nueva corriente de abierta crítica por el tratamiento de Israel hacia los árabes y por estar a favor de vivir una existencia de paz en comunidad, aunque hasta esto está en división, parte de la población drusa está a favor de la ocupación de Israel y otra parte no. Parte de los palestinos están en contra de los asentamientos y otros contribuyen con sus trabajos a edificarlos y mantener Así a sus familias. Así están las cosas.



El tren de la vida


Director: Radu Mihaileanu
Intérpretes: Clément HarariLionel AbelanskiMichel MullerRufus
País: Francia, Bélgica Año: 1998.
Fecha de estreno: 01-01-1970
Duración: 103 min.

Música de Goran Bregovic

Esta película no deja indiferente, por un lado, puede recibir elogios por tratar el tema del Holocausto de forma diferente a lo que estamos acostumbrados (lo que de por sí constituye una novedad importante) pero por el otro puede generar opiniones de falta de rigor, fantasía e infantilismo. Una aldea rusa poblada mayoritariamente por judíos, decide escapar de los nazis y llegar a Palestina, teniendo que atravesar toda la zona en guerra fabricándose un tren y  uniformes para hacerse pasar por un tren de deportados custodiado por ellos mismos disfrazados de nazis. La aldea de origen, los personajes y el planteamiento de la escapada, parecen tomadas de una historieta de Astérix, no puede negarse la influencia y el tratamiento por parte de los países de origen. Me imagino a los que sufrieron realmente la persecución y no creo que encuentren ninguna gracia en esta historia que ni como chiste me vale.

Friday, September 6, 2013

El Jardinero de Ali Sha Hatami




El Jardinero
Película Iraní
Director Ali Sha Hatami
Basado en una idea de Hosein Pakdel
Producida en Canal 1 de la República de Irán
Invierno de 2009


Ante todo, ésta película no tiene nada que ver con otra del mismo nombre (o traducción) dirigida por Mohsen Makhmalbaf. De hecho, después de visionar dos películas de su “clan”: El Caballo de dos piernas dirigida por Samira y Buda explotó por vergüenza de Hana, éste jardinero viene a ser como el azúcar en un café amargo, (demasiado azúcar, incluso).
Por el argumento bien podría tratarse de un cuento sufí, un abuelo con aspecto y modos de un santón se dedica a hacer el bien indiscriminadamente, la primera historia de un padre violento que maltrata a madre e hijo por su adicción a las drogas, no queda suficientemente resuelto. La vuelta “a las formas” de un aprendiz de punk adolece de excesiva amabilidad sobre todo la conversación del protagonista con los 4 jóvenes a veces roza el infantilismo tanto en contenido como en gestos.
Francamente es bonita la última parte, lo concerniente a su hijo muerto en la guerra, la escena del cordero y todo lo relativo a la rosa blanca.
El ser humano tiene necesidad de “comunicar” con el mas allá a efectos de confirmar que no se está solo aquí abajo. Dios a veces responde de manera confusa y a veces se manifiesta y nos guía a través de otros, mucha gente pensamos así. En la película esto se confirma, precisamente por el mensajero del cordero y la rosa blanca. ¿porqué no recibe cada padre la inspiración a través de la presencia de su propio hijo y se manifiesta en forma cruzada? Misterio y grandeza.
Es importante, curiosa e interesante la faceta chíi que muestra el film. Las invocaciones y el recuerdo hacia el Imán Hussein, la fiesta de la Ashura y Hacia Karbala (donde se encuentra su mausoleo) son continuas así como el anhelo por la Peregrinación, estas se hacen de manera respetuosa y tan sincera que sobrepasa la película.
En resumen: A veces un poco de azúcar, en formas y comportamientos no viene mal, aunque se peque (un poco) de exceso.